Das Museum für Gestaltung Zürich zeigt regelmäßig das Schaffen zeitgenössischer Designer*innen. Der Kurator Damian Fopp erzählt, dass er Sabine Marcelis vor drei Jahren gefragt hat, ob sie sich vorstellen könne, die große Ausstellungsfläche des Museums auf dem Toni-Areal zu bespielen. Sie sagte sofort zu und nach drei Jahren intensiver Vorbereitung eröffnete die Schau Sabine Marcelis – Light and Color Ende Oktober in Zürich. Sie vereint wichtige Arbeiten der Designerin aus den letzten Jahren und ausstellungsspezifische Installationen, darunter einen Lichttunnel mit den Donut-förmigen Varmblixt-Leuchten von IKEA. Einen Traum erfüllt hat sich Marcelis mit dem Entwurf einer monumentalen Lavaleuchte für Mathmos, die im Zusammenwirken von mehreren Exemplaren und Spiegeln einen eigenen Raum in der Ausstellung bespielt.

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Sabine, Du wirst mit Anfang vierzig bereits mit einer Museumsausstellung bedacht. Das ist ziemlich bemerkenswert.
Ich habe meine Arbeiten auch früher schon in Museen in Gruppenausstellungen oder als ortsspezifische Installationen gezeigt. Aber es ist das erste Mal, dass ich eine umfassende Einzelausstellung habe und sage: Hier ist mein Werk. Ich finde es besonders schön, dass die Ausstellung nicht chronologisch aufgebaut ist. Denn im Kern drehen sich all meine Arbeiten um Materialien und darum, wie man sie durch Licht und Farbe aktivieren kann.

Wie war es für Dich, auf Deine bisherigen Arbeiten zurückzublicken?
Die Vorbereitung zu dieser Ausstellung war eine intensive Erfahrung, weil ich mich normalerweise immer damit beschäftige, was als Nächstes kommt und nicht so sehr mit der Vergangenheit. Deshalb war es herausfordernd, sämtliche Projekte durchzugehen und sich zu fragen, was wir zeigen und welche Geschichte wir erzählen wollen.

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Deine Entwürfe sind meist hochpreisig – egal ob es sich um Collectible-Design-Objekte oder handgefertigte Möbelstücke für renommierte Hersteller handelt. Aber Du hast auch die erfolgreiche Kollektion Varmblixt für IKEA entworfen. Ist dieser Wechsel zwischen den Welten für Dich kein Widerspruch?
Als IKEA mir eine Zusammenarbeit vorgeschlagen hat, musste ich tatsächlich eine Weile darüber nachdenken. Ich war mir nicht sicher, ob es eine gute Sache wäre oder meiner Karriere vielleicht schaden könnte. Ich habe mich dann aber für eine Zusammenarbeit entschieden, weil ich Herausforderungen mag. Normalerweise habe ich das Privileg, mit teuren Materialien und aufwendigen Herstellungsverfahren zu arbeiten, sodass das Ergebnis natürlich ein entsprechend hochpreisiges Objekt ist. Ich wollte einfach wissen, was passiert, wenn ich diese Möglichkeiten nicht habe und ob ich dann immer noch eine gute Designerin bin. Es ging mir darum herauszufinden, ob ich auch ohne diese Materialien und Herstellungsprozesse Dinge entwickeln kann, die ein Gefühl des Staunens hervorrufen. Nächstes Jahr bringe ich übrigens eine weitere Kollektion für IKEA heraus.

Gibt es etwas, dass Du als Designerin nicht machen würdest?
Natürlich habe ich bei bestimmten Themen eine ziemlich klare Haltung, gerade in der heutigen Zeit. Im Moment werde ich beispielsweise von KI-Unternehmen angesprochen, die mit mir Projekte realisieren möchten. Aber ich finde, dass viele dieser KI-Anwendungen in der kreativen Welt nichts zu suchen haben. Sie nehmen Menschen die Arbeit weg. Auch von E-Zigaretten-Unternehmen wurde ich schon für Projekte angefragt. Da sage ich dann: Nein, danke.

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Wolltest Du von Anfang an in so unterschiedlichen Bereichen wie Kunst, Collectible Design und Serienfertigung arbeiten?
Während meines Studiums habe ich oft den Ratschlag bekommen, dass ich mich auf einen Bereich festlegen und konsequent bleiben müsse, damit die Menschen verstehen, was ich eigentlich mache. Damals wollte ich beispielsweise eine Installation für den Außenbereich entwickeln. Da hieß es dann: Nein, das geht nicht, denn das ist kein Industriedesign.

Warum hast Du Dich trotzdem nicht festgelegt?
Ich bin ein ausgesprochen neugieriger Mensch und möchte mich nicht einschränken lassen – nicht auf eine einzige Arbeitsweise oder einen bestimmten Kontext. Vielleicht bin ich auch einfach selbstbewusst genug, um in unterschiedliche Richtungen zu gehen. Ich habe außerdem das Glück, dass meine Arbeit stark von Materialien und Herstellungsprozessen geprägt ist. Dadurch ist sie nicht an einen bestimmten Maßstab gebunden. Generell versuche ich, die kommerzielleren Projekte beziehungsweise deren finanzielle Erträge zu nutzen, um in Projekte zu investieren, die aus reiner Faszination entstehen.

Du hast gleich nach dem Studium Dein eigenes Studio gegründet. War es schwer, Dich zu etablieren?
Das hat lange gedauert. Ich habe nebenher gearbeitet, um Geld zu verdienen, beispielsweise in einer Bar und als Babysitterin. Außerdem habe ich freiberufliche Aufträge für Modedesigner*innen angenommen. Die Zeit damals in Rotterdam war sehr interessant, weil viele Gebäude leer standen. Eine Wohnung und ein Atelier zu mieten, war nicht teuer. Deshalb konnte ich experimentieren und Dinge entwerfen, ohne sie unbedingt verkaufen zu müssen. Ich war nicht auf die Einnahmen aus meiner Designarbeit angewiesen, um meinen Lebensunterhalt zu finanzieren.

Ab wann konntest Du von Deiner kreativen Arbeit leben?
Vier Jahre nach der Studiogründung habe ich 2015 den ersten Mitarbeiter eingestellt. Für mich war das ein großer Schritt, weil ich es gewohnt war, alles allein zu machen. Aber als er dann als Studiomanager angefangen hat, sich um organisatorische Dinge zu kümmern, dachte ich plötzlich: Wow, ich habe auf einmal so viel mehr geistigen Freiraum. Das war wirklich eine Offenbarung.

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Würdest Du sagen, dass der Candy Cube aus Kunstharz für Celine dein Durchbruch als Designerin war?
Ja, ich muss diesem Werk tatsächlich einen großen Teil dessen zuschreiben, was danach gekommen ist. Ich hatte mein Studium gerade erst abgeschlossen und musste sehr schnell lernen, wie man eine Produktion in großem Maßstab organisiert. Damals begann auch meine langjährige Zusammenarbeit mit der Kunstharzwerkstatt, mit der ich heute noch zusammenarbeite. Der Candy Cube war ursprünglich als Präsentationsobjekt für die Taschen und Schuhe in den Shops von Celine gedacht. Aber irgendwann hatte ich die Idee, ihn ganz normal als Objekt zu verkaufen. Seitdem hat er gewissermaßen ein Eigenleben entwickelt. Das Vitra Design Museum hat ihn sogar auf einem Poster mit ikonischen Stühlen präsentiert. Das bedeutet, dass er auch als Stuhl wahrgenommen wird. Ich mag diese Mehrdeutigkeit.

Viele Deiner Arbeiten kreisen um Flüssigkeiten, beispielsweise Deine Lavaleuchten für Mathmos. Was fasziniert Dich daran?
Ich denke, die Arbeit mit Wasser und anderen Flüssigkeiten ist der Arbeit mit Glas und Kunstharz sehr ähnlich. Allerdings kommt hier noch die Bewegung als zusätzliche Dimension hinzu. Lavaleuchten haben mich schon immer fasziniert. Als Kind dachte ich tatsächlich, dass man Millionär sein müsse, um eine zu besitzen – so außergewöhnlich fand ich sie. (lacht) Als Mathmos vor einigen Jahren auf mich zukam, um zum 65-jährigen Jubiläum gemeinsam eine Sonderedition der Astro-Lavaleuchte zu entwickeln, war meine erste Reaktion: Ja! Können wir sie richtig groß machen? Sie sagten: Nein, sie soll klein bleiben. Wir haben dann einige Sondereditionen des Originals entwickelt. Für die Ausstellung in Zürich konnte ich diesen kleinen magischen Gegenstand dann endlich in ein echtes Erlebnis verwandeln.

Du bist inzwischen eine feste Größe im Designbusiness und setzt auch Projekte in architektonischen Kontexten um. Wie ist es dazu gekommen?
Ich habe das Glück, in Rotterdam zu leben, wo es viele gute Architekturbüros gibt. Und ich habe bereits sehr früh mit Materialien experimentiert. So ist auch OMA, das Architekturbüro von Rem Koolhaas, auf mich aufmerksam geworden. Es ging darum, die Materialität eines ihrer Projekte zu definieren, wodurch meine Arbeit dann sehr schnell einen architektonischen Maßstab bekam. Und bekannter wurde mein Studio dadurch auch.

Du arbeitest weltweit, hast beispielsweise künstlerische Installationen in Dubai und Saudi-Arabien gezeigt. Was macht es für Dich spannend, dort zu arbeiten?
Länder wie Saudi-Arabien investieren derzeit stark in Kultur und Gestaltung, weshalb dort für Designer*innen spannende Projekte entstehen. Initiativen wie Design Space AlUla binden die lokale Gemeinschaft auf sinnvolle Weise ein. Das finde ich sowohl für die eingeladenen Designer*innen als auch für das lokale Handwerk sehr bereichernd. Außerdem beeinflussen die Erfahrungen, die ich in diesen Ländern mache, meine Arbeit. Der Mirage Mirror ist beispielsweise aus einem Projekt in Dubai entstanden, in dem es darum ging, die Gegensätzlichkeit dieses Orts einzufangen: auf der einen Seite die Wüste und das warme, ganz besondere Sonnenlicht, das bestimmte Farben hervorbringt. Auf der anderen Seite die Nacht mit ihrer völlig anderen Atmosphäre – einer modernen Metropole mit Hochhäusern und künstlicher Beleuchtung. Diese Dualität wollte ich in einem Objekt festhalten.

Die Designbranche ist nach wie vor sehr männlich geprägt, oder?
Ich bin vor allem von den großen Traditionsmarken enttäuscht. Wenn man sich beispielsweise auf dem Salone del Mobile die Liste der präsentierten Designer*innen anschaut, sieht man immer wieder ältere weiße Männer, die schon seit Ewigkeiten für diese Marken entwerfen. Es geht aber nicht nur um Frauen. Ich finde, man sollte auch jüngeren Designer*innen mehr Raum geben.

Wohin geht Deine kreative Reise?
Bei Licht und Farbe gibt es niemals einen Punkt, an dem man nichts Neues mehr entdecken kann. Ich habe mir also gewissermaßen die richtige Faszination ausgesucht, mit der ich mich beschäftigen möchte. Außerdem arbeite ich gern mit neuen Branchen zusammen, in diesem Jahr beispielsweise mit der Musikindustrie. Ich finde es spannend zu sehen, wie verschiedene Welten zusammenkommen. Ich möchte einfach immer weiter experimentieren und hoffe, dass ich das noch lange tun kann.